“La vida y el dolor de vivirla como un eterno sobreviviente de uno mismo”, creo que eso es lo que me impele a escribir día tras día en el intento de contarme historias con palabras que puedo entender en el idioma que aún no logro rezar, soñar o pensar.

Como poeta, pienso que el amor es una cuestión de fe, que nace de nuestra decisión de espantar la soledad y todos los demonios que la acompañan; sencillamente, porque no queremos apropiarnos de algo tan nuestro, tan humano como es la soledad. Así, en el intento de despoblar el cuarto invisible donde habitan los demonios compañeros de la soledad, buscamos el amor y aseguramos amar. Y más, prometemos y juramos que es para toda la vida.

Las juras de amor eterno y todo lo que las envuelven como actos deliberados ante la sociedad que aprueba (o desaprueba) los actos individuales de cada ser humano, es apenas el comienzo de la metamorfosis a la que nos sometemos en el intento de abandonar la soledad, que a partir de ese momento, se siente acompañada porque dejamos de ser yo para ser nosotros. Al tiempo en que garantizamos la reproducción del modelo social que nos fue impuesto, sin cuestionar nada, siquiera pensar si existe otra posibilidad de espantar demonios sin unirlos a los demonios del otro, sin crear un pequeño infierno tibio, monótono y repetitivo por los siglos de los siglos.

Tal vez, eso pase porque no preguntamos en qué creemos y por qué creemos. Apenas reproducimos el modelo impuesto, asumiendo la ética que nos fue heredada. Empero, aseguramos que somos felices, somos (en el caso) es la suma de seres en los que nos multiplicamos al unirnos con el otro, sin haber identificado a los otros que ya hacían parte de nosotros desde antes, cuando estábamos oficialmente solos.

“Ellos tienen razón”

“esa felicidad \al menos con mayúscula \no existe \ah, pero si existiera con minúscula \sería semejante a nuestra breve \presoledad \\después de la alegría viene la soledad \después de la plenitud viene la soledad \después del amor viene la soledad (…)”

Así habló Mario Benedetti, sin pensar que yo me agarraría de su mano un día, para tratar de entender el dolor de no poder llorar cuando me siento así, tan sola, tan triste y tan acompañada…

Eso ocurre porque, al fin y al cabo, la soledad es mía, es tan mía cuanto tuya, es esta parte de nosotros que no queremos aceptar, como si fuera un defecto… cuando apenas, es algo intrínseco a todos. Es nuestra orfandad primigenia que se manifiesta en la necesidad de conocernos a nosotros mismos a profundidad, porque cuando hacemos el viaje hacia adentro, el viaje interior, encontramos los demonios que nos acompañaron desde siempre y que no habían sido tan malos, como tratamos de imaginar a priori.

“(…) ya sé que es una pobre deformación \pero lo cierto es que en ese durable minuto \uno se siente \solo en el mundo \\sin asideros \sin pretextos \sin abrazos \sin rencores \sin las cosas que unen o separan \y en es sola manera de estar solo \ni siquiera uno se apiada de uno mismo (…)” dijo Benedetti sin pensar que vendría Erich Fromm a reforzar toda la teoría social que nos fue impuesta; de que en vez de centrarnos en todo lo que nos falta, debemos recordar todo lo que tenemos y practicar la gratitud con la vida, con uno mismo: “Si con todo lo que tienes no eres feliz, con todo lo que te falta tampoco lo serás” escribió Erich Fromm sin recordar que, tal vez, la soledad tan eterna que sentimos sea la manera más sencilla de manifestar la existencia del otro o de otros que nos acompañan, que nos pueblan y que no admitimos y tratamos como demonios que deben estar ocultos en un cuarto oscuro, como demonios que no debemos mencionar, peor encontrar.

Es cuando negamos la posibilidad de apiadarnos, de nosotros mismos, que buscamos el amor como una salvación miserablemente terrena, que debe dejar de ser romántico para ser conyugal, donde dejamos de ser yo para ser nosotros, donde el placer usa pantuflas y camina de la mesa de la cocina hasta el televisor. Pero aseguramos que somos felices, que todos somos felices.

Sin pensar que Mario Benedetti tenía razón: “(…) hay diez centímetros de silencio \entre tus manos y mis manos \una frontera de palabras no dichas \entre tus labios y mis labios \y algo que brilla así de triste \entre tus ojos y mis ojos \\claro que la soledad no viene sola (…)”. Porque entre nosotros existe la soledad de cada uno, la tuya que te envuelve en cinco centímetros donde caben tus otros yos, y la mía con cinco centímetros de demonios que trato de no conocer para que la sociedad no desapruebe mi actitud, en caso los conociera, y me rotule de loca.

“(…) si se mira por sobre el hombro mustio \de nuestras soledades \se verá un largo y compacto imposible \un sencillo respeto por terceros o cuartos \ese percance de ser buenagente (…)” porque el poeta ya sabía, antes de mí, que nuestra soledad anda acompañada y sus acompañantes son los que nos hacen así, medio melancólicos y tristes cuando hay lluvia y cuando brilla el sol… y nos recogemos a refugiarnos al medio de nosotros, o sea, nos recogemos a nuestro nido, donde están todos los que hemos reproducido cuando aceptamos la metamorfosis de dejar de ser yo para ser nosotros y pensamos que el amor era eterno, como eterno es el olvido…

“(…) a veces no me siento \tan solo \si imagino \mejor dicho sí sé \que más allá de mi soledad \y de la tuya \otra vez estás vos \aunque sea preguntándote a solas \que vendrá después \de la soledad”. A veces, pienso que el amor es una cuestión de fe, que nace de nuestra decisión de espantar a la soledad y a todos los demonios que la acompañan; y como un eterno sobreviviente de mí mismo, escribo contándome historias con palabras que puedo entender… en el idioma que aún no logro rezar, soñar o pensar.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

“El río me arrebata y soy ese río. / De una materia deleznable fui hecho, de misterioso tiempo. / Acaso el manantial está en mí. / Acaso de mi sombra / surgen, fatales e ilusorios, los días.”

Jorge Luis Borges, Elogio de la sombra

Vivir en este planeta es un arte temporal que transcurre entre lo profano y lo divino, la mayor parte de las veces, de manera profanamente divina.

Es cierto que muchos piensan que es así, o por lo menos viven como si así lo fuera: de manera profanamente divina, mismo a sabiendas que el tiempo todo lo cambia o con el tiempo todo se extingue.

En Séneca aparece el tiempo dividiendo la vida y la muerte, con su tremenda brevedad. De ahí que Séneca permanece siempre con el presente. Ya que sobre el presente gravita la vida con toda intensidad.

El pasado, entonces, es ya el rostro mismo de la muerte; porque la vida va dejando un lastre muerto y el tiempo ineludible la empuja, forzosamente, a la muerte final y definitiva, cumpliendo así con una ley natural.

La temporalidad de la vida, en el planeta, parece necesaria. Si no es necesaria, sabemos que es inevitable. Por lo tanto, el tiempo se torna un tema eterno en la poesía.

¿Qué poeta no cantó la angustia que causa la temporalidad tan efímera de la existencia?

Los conocedores de la obra poética de Jorge Luis Borges saben que su nombre debe incluirse entre los pocos poetas latinoamericanos que escribieron su pensamiento, también a través de la poesía, y dejaron una intensa y profunda impresión sobre la temporalidad, entre otros temas, asumiendo que el verso es forma temporal de la expresión artística.

Borges, consignatario de una poesía más tributaria de la prosodia clásica, escribió de forma muy disciplinada circunscrita a una preceptiva canónica, sin alejarse de las temáticas que angustian al hombre por el simpe hecho de existir.

La profunda e intensa impresión del tiempo en la poesía de Borges, permite reflexionar sobre la existencia mortal, finita, inevitablemente temporal de las personas que habitamos en el planeta en ese preciso instante, ya que después, no estaremos; ya seremos historia, memoria, pasado…

La fugacidad del tiempo fue uno de los orígenes de la angustia manifestada en las letras de Borges, ya que escribió muchos textos en alusión a este tema.

En el poema “Heráclito”, la angustia que produce la fugacidad del tiempo está relacionada al devenir incesante y al cambio de la realidad que nos rodea. Pero Borges identifica que nosotros, los humanos, también somos una realidad en eterno devenir, entonces para él, estamos hechos de esa “materia deleznable de misterioso tiempo”. Reconociendo que somos seres hechos de tiempo, lo cual acentúa la conciencia de nuestra fragilidad.

Borges escribió: “Yo diría que siempre sentimos esa antigua perplejidad, esa que sintió mortalmente Heráclito en aquel tiempo al que vuelvo siempre: nadie baja dos veces al mismo río. ¿Por qué nadie baja dos veces al mismo río? En primer término, porque las aguas del río fluyen. En segundo término –esto es algo que ya nos toca metafísicamente, que nos da como un principio de horror sagrado-, porque nosotros mismos somos también un río, nosotros también somos fluctuantes. El problema del tiempo es ése. El problema de lo fugitivo: el tiempo pasa”. (“El tiempo”, en “Borges, oral”).

En otro poema con el mismo título, Borges agrega algo novedoso al análisis del tema de la fugacidad, de nuevo inspirado en la filosofía de Heráclito:

“Se mira en el espejo fugitivo / y descubre y trabaja la sentencia / que las generaciones de los hombres no dejarán caer. Su voz declara: / Nadie baja dos veces a las aguas / del mismo río. Se detiene. Siente / con el asombro de un horror sagrado que él también es un río y una fuga”.

Además de reconocer que siempre habrá otro río a pasar, Borges reconoce que ya no somos los mismos cada vez que retornamos al río. Empero, posteriormente, siguiendo la lectura del poema, el lector comprueba que el verdadero protagonista del mismo no es Heráclito, sino un “hombre gris” que ha soñado con Heráclito y que “entreteje endecasílabos para no pensar tanto en Buenos Aires y en los rostros queridos”, lo que hace pensar en Borges eternizado en uno de sus poemas; tal vez, para no sentirse finito, mortal.

Jorge Luis Borges escribe versos adamantinos que resisten el desgaste del tiempo, versos perdurables que sobrevivan al autor y a su recuerdo, comprobando que la simpleza técnica conduce a la grandeza intrínseca y escribe:

“Pido a mis dioses o a la suma del tiempo \Que mis días merezcan el olvido, \Que mi nombre sea Nadie como el de Ulises, \Pero que algún verso perdure \En la noche propicia a la memoria \O en la memoria de los hombres”. (Obra poética: 247).

Así como Píndaro al declarar que el ser humano es el “sueño de una sombra”, Shakespeare dijo que “estamos hechos de la madera de los sueños” o Calderón de la Barca en su libro “La vida es sueño”; Borges introduce este recurso en su obra, en el caso, la figura del sueño en el que aparece Heráclito aumenta la sensación de la imperdonable brevedad que conlleva el paso del tiempo.

Borges, en sus relatos, también muestra su preocupación por el tema del doble, que desarrolla en “El otro” (El libro de arena), donde reconoce la capacidad de ser distinto, esa alteridad, imaginario espejo del que permanentemente se sintió acompañado, incluso en su ceguera.

“El Otro” sería uno mismo, visto a través del tiempo con todos los cambios consecuentes del transcurrir en el tiempo. “El Otro” fue interpretado como una consecuencia de esta inquietud: ¿Cómo sería un encuentro con nosotros mismos, pero mucho más jóvenes de lo que somos ahora, cuando el paso del tiempo nos ha convertido en “otras” personas? ¿Seguimos siendo “el mismo” o, por el contrario, podemos desconocernos en este espejo deformado por el tiempo?  A esas interrogantes, Borges responde en este relato: que es un desafío a la lógica y al tiempo, a través de un viaje al pasado y al futuro de sí mismo o la conversación con el “alter ego”.

Para Borges, la vida es una especie de camino de la muerte y escribe: “Morir es perder el ámbito de la costumbre. Morir es sentir que el mundo se le hace cada vez más ajeno y ver que se queda como una litografía”.

Muy probablemente, Borges retoma el concepto de Séneca de que la vida va dejando un lastre muerto a su paso, entonces asume la muerte como el desprendimiento de algo propio, de vivencias y de recuerdos que, de alguna manera, son dejados en el pasado y que ya no regresarán.

Por ende, cada acto de su vida le parece definitivo e irrevocable, puertas que se cierran a su paso en un camino ya recorrido y sin regreso.

Por eso cavila y se pregunta: ¿Cómo soy y quién es el otro, él que fui yo, cuando joven? En un ejercicio cíclico que caracteriza su poesía y su pensamiento circular y tautológico.

Borges escribe sobre el tiempo que “es irreversible y de hierro”, reconociendo siempre que es la sustancia de que está hecho el hombre, que radica en el hombre mismo. A pesar de su fuerza, el tiempo marcha de ascenso a descenso y es este tiempo el que finalmente destruye al hombre cuando llega al punto cero de su trayectoria, de la muerte. No obstante, que el tiempo “es ciega sucesión, pero se vuelve lucidez en la conciencia del hombre”. Ya que el hombre reconoce lo que ha vivido y sabe que ya no puede volver a vivir lo mismo otra vez. 

Borges lo registra: “Laberinto

No habrá nunca una puerta. Estás adentro \Y el alcázar abarca el universo \Y no tiene anverso ni reverso \Ni externo ni secreto centro”. (Elogio de la sombra).

Borges sabe que, a través de la palabra, él puede contrariar la divinidad y eternizar al hombre o eternizarse a través de la palabra hecha poesía, pero también sabe que la vida llega a su fin; que para el fin que es la muerte, no existe escapatoria, ni salida. Entonces escribe: “Es de hierro tu destino/ Como tú juez. No existe. Nada. Ni siquiera/ En el negro crepúsculo la fiera.” (Elogio de la sombra).

No hay más tiempo, el acto de la muerte no es reversible. No hay esperanza. La condenación es aniquilante, al final todo termina. Se cierra la última puerta que Borges menciona constantemente, para mostrar que no hay salida posible y registra: “Todo lo arrastra y pierde este incansable \Hilo sutil de arena numerosa. \No he de salvarme yo, fortuita cosa \De tiempo, que es materia deleznable”. (El Hacedor).

Borges sabe que el tiempo termina, que ya no vuelve, que el último movimiento del río de Heráclito pasará para siempre y la memoria será olvido.

Ya que el tiempo es una ley que lo rige todo, manifestando un esquema establecido y completa un círculo que termina invariablemente.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

 “La ciencia no sólo es una disciplina de la razón,
sino también del romance y de la pasión”
 –Stephen Hawking

En la semana que pasó, el mundo recordó a la mujer y niña en la ciencia, porque la ONU estableció que el 11 de febrero de cada año sería el día internacional para reconocer el rol crítico que juegan las mujeres y las niñas en la ciencia y la tecnología, reconociendo así, su plena capacidad para hacer oír sus ideas que son los motores del desarrollo y la paz. Sumado al objetivo principal de este día tan especial, que es lograr una mayor participación e inclusión de las mujeres y las niñas en el mundo de la ciencia y la tecnología y, de esta manera, romper con la brecha de géneros.

Llamar la atención sobre la presencia de la mujer y niña en la ciencia, desde mi punto de vista, también es hacer un reconocimiento a mujeres que hacen de la actividad científica su elección de vida y contribuyen de diversas maneras a elevar la calidad de vida de las demás personas, tomando en cuenta que la ciencia y la tecnología son factores principales para el crecimiento económico, generando e interactuando con los sectores productivos, importantes aportes al desarrollo sustentable.

Para esta fecha, elegí acercarme a la eminente joven científica española Lorena Escudero Sánchez (Soria, 1985), cuya trayectoria meteórica está marcando un punto de inflexión en el desarrollo de la ciencia en el mundo puesto que, su profunda labor de investigación, está dejando una huella imborrable en la historia de la ciencia. Galardonada con numerosas becas y premios, entre ellos el “Premio Breakthrough 2016” en Física Fundamental (como parte de la colaboración T2K) y el “Premio de Doctorado a la Excelencia de la Universidad de Valencia”, un premio extraordinario (de doctorado de la Universitat de València), por su tesis realizada en el IFIC, la primera que analiza de forma simultánea las diferentes oscilaciones de neutrinos que mide el experimento T2K (Japón).

Lorena Escudero Sánchez es licenciada en Física por la Universidad de Salamanca y Máster en Cosmología y Física de Partículas. Después de un breve tiempo trabajando en el CERN, se trasladó a Valencia con una beca FPU para completar su doctorado en Física de Neutrinos, trabajando en el experimento T2K en Japón.

En 2016 se mudó a Cambridge y trabajó como investigadora asociada en el Laboratorio Cavendish, trabajando principalmente en algoritmos de reconocimiento de patrones y desarrollo de software relacionados.

Lorena también ha tenido roles de responsabilidad dentro de colaboraciones mundiales, p. Ej. sirviendo como coordinador de la reconstrucción y redactando la sección de reconstrucción del Informe de Diseño Técnico del experimento DUNE, también ha liderado y gestionado iniciativas internacionales como la “Iniciativa de Neutrinos Reino Unido-América Latina” (2018-2019).

Sus intereses de investigación actuales se centran en aplicar su experiencia en análisis de imágenes y aprendizaje automático a la investigación del cáncer, con una fuerte defensa del desarrollo de software y un gran interés en desarrollar métodos de IA. También forma parte del equipo del repositorio de NCITA  y su función es crear y gestionar un repositorio de imágenes local en Cambridge”[i].

El experimento T2K, que lleva a cabo Lorena Escudero Sánchez, consiste en un haz de neutrinos muónicos enviados desde J-PARC en Tokai (costa este de Japón) hasta el detector Super-Kamiokande, a 300 kilómetros de distancia en la costa oeste. En 2013, T2K descubrió un nuevo canal de oscilación del neutrino al comprobar que una pequeña parte de los neutrinos muónicos que componen el haz enviado desde J-PARC se transforman en neutrinos electrónicos, ‘apareciendo’ estos en Super-Kamiokande.

El trabajo de Escudero combinó, por primera vez, los datos del canal de ‘aparición’ con los del canal dominante de ‘desaparición’, descubierto en 1998 por Super-Kamiokande y merecedor de la mitad del Premio Nobel de Física de 2015.

Lorena Escudero trabaja actualmente en la Universidad de Cambridge con una estancia postdoctoral en la preparación del experimento DUNE, un gran proyecto internacional que estará operativo en Estados Unidos a partir de 2026 y que pretende dar respuesta a los interrogantes que todavía perduran en la física de neutrinos[ii]

Lorena Escudero Sánchez es una científica talentosa que tiene un papel fundamental en la comunidad científica internacional; empero, su genialidad, excelencia y creatividad no paran ahí, la acompañan en muchas otras esferas de su vida y una faceta importante de la doctora en física es la de escritora, también talentosa, que cultiva el género literario de la microficción.

Publicó diversos libros y antologías, asimismo, su obra literaria hace parte de diversas antologías y fue publicada en muchas revistas.

Es interesante notar que, entre los varios títulos de su obra microficcionista, se encuentra el libro Formulario (2019), donde confluyen la científica y la literata, haciendo gala, en una sola obra, del conocimiento científico matemático y de su sensibilidad estética literaria.

Como una muestra espontanea del talento científico y literario, el libro “Formulario” es un conjunto de minificciones con alusión científica con títulos sugestivos como: “Antimateria”, “Binario”, “Campo electromagnético”, “Personalidad múltiple (oscilaciones de neutrinos)”, “Simetrías”, “Índice de refracción”, “Cero absoluto”, “Horizonte de eventos” y “Colisionador de hadrones”; también, el microensayo “Entropía (caos)”, “Geometría (espacio de Minkowski)” y “Serie de Taylor”;  el poema en prosa “Dualidad”, “Densidad y singularidad”, “Principio de exclusión de Pauli”, “Reductio ad absurdo” y “Acústica” y el aforismo “Solución”.

“Antimateria

Ha decidido negarme en todo lo que soy. Existe para contradecirme. Y yo huyo: o nos mantenemos alejados, o nos aniquilaremos el uno al otro.

e+»[iii]

Hipatia fue una filósofa y maestra neoplatónica griega, natural de Egipto, que destacó en los campos de las matemáticas y la astronomía, ​ miembro y cabeza de la Escuela Neoplatónica de Alejandría a comienzos del siglo V.

Ahora, el planeta cuenta con los aportes de la científica y escritora Lorena Escudero Sánchez, una Hipatia del siglo XXI.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

[i]   Dr. Lorena Escudero Sánchez – Department of Radiologyradiology.medschl.cam.ac.u

[ii] http://webific.ific.uv.es/…/una-tesis-del-ific-pionera

[iii] Lorena Escudero: “Formulario”. Minificción. La Tinta del Silencio; Colección Minitauro; Ciudad de México, 2019.

El orden del mundo está equivocado, por eso, muchas personas sufren, ya que están privadas de ejercer sus derechos humanos fundamentales. Las injusticias se proliferan como hongos y muchos gobiernos prefieren cerrar los ojos y tolerar lo inadmisible mientras los más vulnerables padecen situaciones insufribles.

La francesa Estelle Keita, una estudiante de derecho apasionada por el bien y la justicia, lucha por los derechos humanos en un intento de transformar las sociedades que rayan al borde del primitivismo, a partir del momento en que mantienen la supremacía económica, sexual, de género, por color y por un sinfín  de motivos, que no permiten la igualdad de todos los seres humanos en una muestra absurda de poder, en desmedro del bienestar de todos.

A pesar de que muchas naciones mantienen su lucha para evitar la discriminación a minorías (sociales o étnicas), los residuos de prejuicios antiguos hacen difícil aplicar una ley igualitaria para todos los ciudadanos, lo que abre espacio para la militancia activa en pro de los derechos humanos.

Estelle Keita vive en la región número I parisina, es una joven ansiosa por aprender y por triunfar. Su mayor aspiración es lograr concientizar a las mujeres jóvenes sobre las distintas problemáticas que surgen en nuestra sociedad para que ellas, en primer lugar, no sean víctimas de las injusticias que ocurren por la falta del ejercicio de sus propios derechos.

Ya que derecho que no se ejercita es derecho que se pierde.

También centra su interés en las mujeres jóvenes porque sabe que si las mujeres están empoderadas, el mundo mejora, ya que ellas son la célula básica de la sociedad, por eso deben recibir educación y tener acceso a luchar por los derechos humanos, tomando en cuenta que a muchas mujeres, en el planeta, está vetado el derecho a la educación y también está prohibido luchar por sus propios derechos.

Ser activista que participa activamente en la propaganda de un partido o enarbola banderas en la sociedad a la que pertenece o practica la acción directa en la lucha por los cambios sociales o políticos que pretende; no es un derecho que, cualquier ser humano en el planeta, puede ejercer.

Eso hace que el activismo por los derechos humanos sea más importante en ciertos lugares donde, estos derechos, son ampliamente vulnerados y de manera frontal, especialmente en contra de las mujeres y niñas.

Estelle Keita decidió involucrarse en una forma de hacer política distinta de la tradicional, reservada históricamente al género masculino. Involucrándose en la defensa de los derechos humanos desde París, para el mundo, utilizando las redes sociales como un medio para hacer oír su voz. Toda a la vez que Instagram, Twitter, Facebook y YouTube son cada vez más populares entre los activistas de todo el mundo, pues ofrecen un espacio en el que las personas se reúnen, intercambian ideas, aprenden, se organizan y expresan opiniones.

Optar por el activismo es posicionarse políticamente, dejando constancia de su compromiso en la defensa de los derechos humanos, su compromiso por un mundo mejor, su compromiso con la humanidad.

Su activismo temprano la llevará a poner sus conocimientos como abogada en la lucha por la defensa de los derechos humanos pues, Estelle Keita, pretende graduarse en derecho para poder, a partir de su profesión, convertirse en una activista mucho más importante que logre hacer eco de su voz por una sociedad más justa y equitativa para todos.

Siempre mirando al futuro, ella quiere que las cosas cambien, que las personas vivan seguras, amparadas por las leyes y sin miedo del “otro”, porque bajo las condiciones de justicia e igualdad, el “otro” nunca será opresor o verdugo.

Ella es creadora del blog de opinión y de actualidad dedicado principalmente a las mujeres: “La belle militante”, convertido en uno de los principales escenarios de las protestas contra, lo que se considera, un atraso o retroceso en materia de derechos humanos. También es un espacio de promoción cultural que une continentes.

La joven, de nacionalidad francesa y de 23 años, está involucrada intelectualmente en diversas luchas y lo manifiesta a través de los diferentes artículos que publica, principalmente, sobre injusticias que existen en todo el mundo.

Se muestra molesta con las guerras, las desigualdades económicas, sociales y políticas que afectan, de forma especial, al hemisferio sur.

El racismo que involucra muchos aspectos (incluido los espirituales) es otro tema de la militancia de Estelle.

Cabe mencionar que, esta bella militante, ahora está escribiendo su primer libro sobre turismo sexual.

Así, Estelle Keita, quien se considera una persona apasionada por los derechos humanos, lucha con tesón y voluntad por mundo mejor para todos.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

(El camino de la pluma y de la espada)

Yukio Mishima fue un genial y polifacético escritor, novelista, dramaturgo, poeta, ensayista, crítico y actor japonés. Considerado uno de los más grandes escritores de la historia del Japón, cuyo verdadero nombre era Kimitake Hiraoka, (Kimitake, significa príncipe guerrero), nació en Tokio, 14 de enero de 1925. Murió en Tokio, en el 25 de noviembre de 1970.

Después de una breve relación con Michiko Shoda, quien tiempo después se convertiría en esposa del Emperador Akihito, se casó con la hija de un conocido pintor, Yoko Sugiyama, en 1958 con quien tuvo una pareja de hijos.

Nacido en una familia de la burguesía, Mishima se orgullecía de pertenecer, por línea de sus antepasados, a la clase de los samuráis de la era Tokugawa.

Estudió en la famosa escuela Gakushüim, donde se graduó con honores y escribió su primer cuento a la edad de doce años. Desde 1938 hasta 1941 escribió su primer libro de relatos, aunque empezó a prosperar y se convirtió en el miembro más joven de la junta editorial en la sociedad literaria de esta prestigiosa escuela.

Fue invitado a escribir un relato para la célebre revista literaria «Cultura literaria» y presentó «El bosque en todo su esplendor». La historia fue publicada en forma de libro en 1944, si bien que, en una pequeña cantidad, debido a la escasez de papel en los difíciles tiempos de guerra.

A los dieciséis años publica su primer libro de relatos, que coincidió con su ingreso en la Facultad de Derecho en Universidad de Tokio. Aunque su padre le había prohibido escribir y peor, abrazar la carrera de escritor, Mishima continuó escribiendo en secreto cada noche, apoyado y protegido por su madre Shizue, quien era siempre la primera en leer cada nueva historia. A propósito de la prohibición de su padre, existe la célebre frase del escritor “Las buenas maneras no presuponen la obediencia a la voluntad ajena”.

Después de graduado, obtuvo un trabajo como funcionario en el Ministerio de Finanzas japonés donde trabajó por un año y dimitió para dedicar su tiempo completo a la escritura.

Mishima comenzó su primera novela, «Ladrones», en 1946 y la publicó en 1948, colocándose en la segunda generación de escritores de la posguerra. Le siguió «Confesiones de una máscara» en 1948, una obra de final abierto que cosechó un inmediato éxito y que supuso su definitiva consagración en el mundo literario; aparentemente una obra autobiográfica sobre un joven que debe esconderse tras una máscara para encajar en la sociedad. La novela tuvo un enorme éxito y convirtió a Mishima en una celebridad a la edad de 24 años.

Escritor profuso, hermético y fascinante, disciplinado y diverso, irónico y difícil, cuyo principal interés se centró en los valores tradicionales japoneses y la esterilidad espiritual de la vida contemporánea.

Mishima escribió cuarenta novelas, más de una decena obras de teatro, una veintena de libros de relatos y, al menos, veinte libros de ensayos, numerosos cuentos, poemas, artículos, así como un libreto. También escribió obras muy aclamadas para el teatro kabuki y versiones modernas de dramas no tradicionales. Obras Destacadas: «El pabellón de oro» (1956); «Nieve de primavera» (1968); «Caballos desbocados» (1969); «La corrupción de un ángel» (1970); «El templo del alba» (1970), entre muchos otros.

Yukio Mishima, es un autor que fascina por su vida; tuvo una vida desgarrada en múltiples direcciones que proporciona a su obra una riqueza impresionante.

No deja de ser, sin embargo, uno de los autores que van en contra de las opiniones dominantes tanto en su obra como en su vida: un romántico, al fin y al cabo, recuperable por los nostálgicos de 1968. Efectivamente, gran parte de estos escritos hacen referencia a las revueltas estudiantiles japonesas de 1969 y 1970, revueltas con las cuales mantiene una relación intelectual de ambivalencia…

Fue reconocido como uno de los más importantes estilistas del lenguaje japonés de la posguerra.

De temática audaz y despojada, atenta a los aspectos más oscuros de las pasiones humanas, contrasta con la delicadeza y contención de su estilo. Trazó con doloroso detalle el desarrollo de la personalidad y el efecto devastador de las crueles paradojas de deseo y rechazo, de belleza y violencia que la van conformando.

A través de la escritura, Mishima, adquirió fama internacional, siendo muchas de sus obras traducidas al inglés y otras lenguas europeas.

Fue propuesto para el Premio Nobel de Literatura en tres ocasiones. Sin embargo, en 1968 su primer mentor, Yasunari Kawabata, ganó el premio Nobel de Literatura y dijo «No comprendo cómo me han dado el premio Nobel a mí existiendo Mishima. Un genio literario como el suyo lo produce la humanidad solo cada dos o tres siglos. Tiene un don casi milagroso para las palabras… Es un genio universal».

Muchos grandes escritores, de talla universal, escribieron obras sobre Mishima como: «Una vida en cuatro capítulos», película de Paul Schrader, 1985; «Vida y muerte de Yukio Mishima», por Henry Scott Stokes, 1974; «Mishima o la visión del vacío», ensayo de Marguerite Yourcenar; «Mishima», biografía escrita por John Nathan, su traductor; «Mishima, o el placer de morir, análisis psicológico de Mishima» por Juan Antonio Vallejo-Nágera, 1978; «Un parque», ópera de Luis de Pablo, 2006, sobre un relato de Mishima; «Reflexiones sobre la muerte de Mishima», Henry Miller.

Su primer trabajo extenso, «El bosque en flor», fue publicado en 1941. Una característica de esta obra, como de «El cigarrillo», 1946; «Ladrones», 1946-48 y de otras que escribió en el período de la Segunda Guerra Mundial y en los años inmediatamente subsiguientes, es el total alejamiento de la trágica realidad de la guerra y de la derrota.

En los años sesenta, la figura de Mishima es vista siguiendo las dos distintas pero inseparables facetas de su personalidad. El Mishima hombre de acción, encontró su soporte teórico en la idea de que la verdad puede ser alcanzada sólo a través de un proceso intuitivo, en el que el pensamiento y la acción no son dos modalidades distintas. Encontró la ejemplificación de ello y la suma de los más auténticos valores nipones en la ética de los samuráis. Fascinado por la ideología transmitida de los guerreros escribió: «El camino del samurái»; y «En defensa de la cultura» (1968). Mishima se hizo portavoz de la necesidad de restaurar los valores de la cultura prebélica y militarista.

En esa década de los años sesenta es cuando escribió sus obras más importantes. Dentro de estas obras, destaca su tetralogía considerada su obra cumbre: «El mar de la fertilidad», compuesta de las novelas: «Nieve de primavera», «Caballos desbocados», «El templo del alba» y «La corrupción de un ángel» (esta, editada póstumamente); que constituye una especie de testamento ideológico del autor que se rebelaba contra una sociedad sumida en la decadencia espiritual y moral; es una obra de notable belleza literaria, sin precedentes en la literatura moderna japonesa, contiene e invoca el sentido el honor y el respeto a las tradiciones.

Su ensayo más importante, «En defensa de la cultura», defendía la figura del Emperador como la mayor señal de identidad de su pueblo. Mishima se preocupaba por la creciente occidentalización de su país y analizaba la transformación del Japón desde una perspectiva pesimista y crítica; para él, esta metamorfosis resultaría estéril en el futuro de un país dueño de tantas y tan sabias tradiciones. Sus héroes son jóvenes rebeldes aspirantes a una pureza utópica. El autor recrea los rituales de la vida y de la muerte, de la transmigración y la purificación del alma, tan presentes en años de tradición japonesa.

Más tarde, en 1968, formaría la «Sociedad del Escudo», una organización paramilitar de jóvenes que, desencantados con la debilidad de las instituciones imperiales y la mansedumbre constitucional del ejército, propiciaban un resurgimiento del Bushido, el tradicional código de honor samurái; con un fastuoso uniforme que él mismo diseñó y en el que pretendía reencarnar los valores nacionales de su Japón tradicional. Sin embargo, jamás descuidó su ingente producción literaria. De tal suerte que, Mishima, afirmaría dos caminos para superar la sociedad actual: el de las letras y el de la acción.

Mishima detestó la visión del mundo moderno. Siempre fiel al espíritu del samurái, Mishima se preocupó profundamente por la decadencia que las ideas de la ilustración habían causado a la cultura tradicional japonesa. La crítica a la modernidad dominó sus escritos. Se opuso a la derecha liberal japonesa defensora de los ideales de «paz perpetua» y «crecimiento indefinido capitalista.”

Fue un maestro de la representación, su grandilocuencia le llevó a participar en representaciones teatrales, espectáculos públicos y películas: actor de teatro, espadachín ritual, modelo de fotografías de simbología inquietante. Dicen que fue un adalid de una misoginia espartana. En los últimos diez años de su vida, Mishima actuó en varias películas y codirigió la adaptación de su historia «Patriotismo».

Durante la Segunda Guerra Mundial tras frustrarse su sueño de ingresar como piloto kamikaze, trabajó en una fábrica aeronáutica. Por ello, se sintió culpable de haber sobrevivido y haber perdido la oportunidad de una muerte heroica. Sobrevivir a una guerra en la que habían muerto tantos compatriotas se convirtió, para él, en un trauma lacerante, al asumir la culpa por haber sobrevivido al genocidio estadounidense de Hiroshima y Nagasaki, este imborrable suceso, que él mismo entendió como una humillación.

Mishima preparó de forma meticulosa su muerte durante al menos cuatro años y nadie, ajeno al cuidadosamente seleccionado grupo de miembros de la «Sociedad del Escudo», sospechaba lo que estaba planeando. Mishima se aseguró de que sus asuntos estuvieran en orden e incluso tuvo la previsión de dejar dinero para la defensa en el juicio de los otros tres miembros de la «Sociedad del Escudo» que no murieron.

La mañana de su muerte, el 25 de noviembre de 1970, Mishima envió la última parte de esta tetralogía a su editor. Después se dirigió junto con los miembros de su grupo a un cuartel del ejército que ocuparon y, tras un discurso a la tropa, él y su compañero Masakatsu Morita se quitaron la vida mediante el seppuku. Mishima realizó su seppuku en el despacho del general Kanetoshi Mashita. Él cumplió con el rito del seppuku, ante las cámaras de televisión, al grito de «Larga vida al Emperador».

Yukio Mishima dijo: «Hemos visto a Japón emborracharse de prosperidad y caer en un vacío espiritual… hemos tenido que contemplar a los japoneses profanando su historia y sus tradiciones… el auténtico Japón es el verdadero espíritu del samurái… cuando vosotros (soldados) despertéis, Japón despertará con vosotros… Tras meditarlo serenamente a lo largo de cuatro años, he decidido sacrificarme por las antiguas y hermosas tradiciones del Japón, que desaparecen velozmente, día a día… El Ejército siempre ha tratado bien al Tatenokai, ¿por qué entonces mordemos la mano que nos ha tendido? Precisamente porque lo reverenciamos… Salvemos al Japón, al Japón que amamos…».

Otros elementos tradicionales de la muerte ritual fueron la composición del jisei no ku —un poema escrito por el propio samurái cuando se acerca la hora de su muerte— antes de su entrada en el cuartel general.

Su muerte es considerada la protesta final contra la decadencia moderna de Japón. Su kaishaku (asistente) intentó decapitarlo tres veces sin éxito. Finalmente, fue Hiroyasu Koga, quien realizó la decapitación. Posteriormente, Masakatsu Morita intentó realizar su propio seppuku. Aunque sus cortes fueron poco profundos para ser fatales, hizo una señal a Koga para que también lo decapitase. Esa sería la última aparición en público de Yukio Mishima, de 45 años, un escritor altamente respetado en Japón. Una figura grandiosa en vida, Mishima, se convirtió en héroe mítico después de su suicidio ritual.

Con su muerte, desapareció uno de los críticos más lúcidos de la sociedad japonesa de la posguerra y un artista, un pensador superdotado que marcó señaladamente un rumbo en la historia de la literatura japonesa contemporánea.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

Cuando leí “Once poemas a Lorca” de Concha Pelayo, tuve que hacer una lectura comparada con Federico García Lorca. Inicialmente me llené de emoción, tal la belleza de las palabras y versos de ambos. Después, en un segundo momento, empecé a hacer conjeturas… 

En cada época y lugar, brotan del alma del universo, los poetas que cantan las bellezas y los dolores del mundo. Los que nacen primero influencian a los que vienen después. Porque siempre los primeros dejan un destello, casi luminoso, que impregna la voz o el alma de los que vienen más tarde a encantar al mundo, a través de sus propias letras.

Además, a veces, encontrarse con sus palabras es como un rencuentro espiritual. Es sentir la presencia por medio de las páginas, ya amarillas, que logran despertar sensaciones tan fuertes que el poeta (en calidad de lector) siente que el poema fue escrito para sí, aun cuando su escritura es de un tiempo en que todavía no había nacido.

Pienso y es mera especulación de mi parte, que Concha Pelayo empezó a leer a Federico García Lorca y, primero, se ruborizó porque sintió la familiaridad de su voz. Sintió que Lorca le hablaba a ella, a nadie más.

Volvió a leer y se dijo a sí misma: “Eso no se queda así, tengo que decirle lo que pienso, tengo que responderle, pues, tiene que escuchar mi versión de los hechos, ¡Federico, tienes que escuchar mi voz!”.

Son los misterios de las palabras bajo el sol, son las caricias de seres que ya no están a seres de este mundo.

Así, los versos de Lorca tuvieron un efecto mágico en Concha Pelayo. Y cuando Lorca canto:

“Romance sonámbulo[1]

\Verde que te quiero verde.\Verde viento. Verdes ramas. \El barco sobre la mar \y el caballo en la montaña. \Con la sombra en la cintura \ella sueña en su baranda, \verde carne, pelo verde, \con ojos de fría plata. \Verde que te quiero verde. \Bajo la luna gitana, \las cosas le están mirando \y ella no puede mirarlas. (…)”

Es muy evidente que García Lorca, a través de su poesía, estimula al lector a tener sensaciones emocionales e insinuaciones imaginativas intensas, al lograr asociar en sus versos lo popular y lo culto, lo lírico, lo dramático y lo narrativo-épico, lo tradicional y la innovación en un lenguaje altamente personal, muy musical, refinado y complejo, sofisticado y denso, partiendo de la tradición hispánica y manejando con propiedad los mecanismos del discurso poético.

Es clara la relación de influencia que ejerció Lorca en las letras de Concha Pelayo. Sin embargo, ella supo escribir, su conmovedora poesía, con la misma grandeza que lo hizo Lorca.

Además, Concha Pelayo no hizo un simple contrapunteo, porque no se trataba de una mera intertextualidad como diría Mijaíl Bajtín, ella hizo un diálogo de vuelta y a gran altura.

Dejó que escapara de su pluma, imágenes mágicas y luminosas, escribiendo   versos de exquisita sensibilidad, donde hace gala de su capacidad para captar los detalles y acariciar la esencia de los versos de Lorca, logrando mantener algunos aspectos morfosintácticos, rítmicos y musicales de los versos de Lorca en la construcción directa en el universo conceptual de sus poemas.

Son los misterios de las palabras bajo el sol, son las caricias de seres de este mundo a seres que ya no están.

Así, Concha Pelayo, bajo el embrujo de los versos de Federico García Lorca, escribió:

“Mi poema a Romance sonámbulo [2]

Sobre este lecho de agua, \adormecida está la gitana. \Verde la margen del río, \verde el bosque que la ampara.\Los juncos mueren de pesar, \las aves, tristes, no cantan. \Los pececitos flotan \sin saber lo que pasa, \y una cigüeña en la torre \mira impasible y silenciosa. \El pueblo entero la llora, \los gitanos en la plaza, \los niños se callan y miran, \los guardias se alborotan, \y un gitano que muere \mira para la luna de plata, \los ojos semi-cerrados, \las lágrimas se le escapan.”

Obviamente que yo podría preguntarle a Concha Pelayo qué le motivó a dialogar con Lorca, pero prefiero imaginar a la poeta bajo el embrujo de las palabras de Federico García Lorca, escribiéndole “Once poemas a Lorca” para, con su fuerza, romper el encanto y recordarle, donde quiera que se encuentre, que ella invariablemente dará su versión de los hechos, porque toda historia tiene siempre dos lados.

Puedo creer que Federico García Lorca; si la vida, el destino o el universo; hubieran permitido que se encuentre con la poeta peregrina Concha Pelayo, hubiera caído bajo el embrujo de sus palabras (y ni hablo de su belleza).

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

[1] LORCA, Federico García. Poema:  “ROMANCE SONÁMBULO”; https://www.poesi.as/index203.htm

[2] PELAYO, Concha. “Once poemas a Lorca”; Traducido al portugués por Carlos Sousa Almeida; Editorial: Visión Libros; https://books.google.com.bo/books?id=6C0GjkWIiZkC&printsec=copyright&redir_

Traducción del portugués al español, por Márcia Batista Ramos, exclusivamente para el presente texto.

La ciudad como tema literario, fue eternizada por varios escritores: São Paulo por Mario De Andrade; Lisboa por Fernando Pessoa; Buenos Aires por Jorge Luis Borges; Praga por Franz Kafka; La Paz por Jaime Sáenz; entre tantos otros grandes literatos que lograron captar el alma de la ciudad de sus amores y la plasmaron con gran belleza. Corroborando con la idea de que el espacio público causa un gran fascino para los escritores, como si de una especie de obsesión se tratara.

Es en el ambiente de la ciudad donde surgen, en la década de 1920, los movimientos de vanguardia en Europa y en Latinoamérica. Es en los centros urbanos importantes donde surgen las poéticas urbanas y se diseminan en sus respectivos contextos culturales.

Las ciudades poéticamente erigidas, como metáfora interpretativa de la experiencia humana, reflejan el hombre en su relación dialógica con el espacio social. Los literatos confieren, metafóricamente, al espacio urbano un sentido que supera su funcionalidad, mostrando una ciudad que siquiera es percibida por sus habitantes.

Así, hay una La Paz que sólo es visible a partir de los textos de Jaime Sáenz, esta ciudad que surge de su pluma embriagada, una ciudad con calles plagadas de nostalgias e historias que tienden a desaparecer con el paso de la modernidad con trozos de arquitectura tirados sobre sus calles empinadas, con la montaña en el horizonte y con personajes tan densos que se eternizan.

El escritor paceño Jaime Sáenz (1921-1986), al igual que el argentino Jorge Luís Borges (1899-1986), que siempre utilizó Buenos Aires como tema recurrente en su literatura; y más que un paño de fondo para sus poemas y cuentos fue muchas veces, personaje de sus obras; la ciudad, para Borges, fue la materia prima de su producción; así, también Jaime Sáenz, en su poesía, novelas, relatos y ensayos; se identifica con la ciudad de La Paz y la recrea de forma extensa y hermosa, con sus habitantes y espacio urbano; dejando claro que la ciudad de La Paz fue su espacio vital y el imborrable trasfondo de su obra.

A través de la obra de Jaime Sáenz, la ciudad de La Paz adquiere un carácter legendario. Él hace posible conocer La Paz sin tener que ir a la ciudad y lo hace de forma poética, a través de su literatura:

«Ni siquiera la fea plataforma de cemento, que tan solo data de unos cinco o seis lustros atrás, ha sido suficiente desatino para menoscabar el inexplicable, frío y austero encanto de la Garita de Lima, la populosa a la par que desolada plaza paceña, en la que suelen reunirse los desocupados, los vagos y malhechores de los barrios altos; en la que fenecen las calles Max Paredes y Tumusla, y en la que esta última cambia de nombre y se convierte en la avenida Batista, que sigue su curso hasta el Cementerio General para fenecer a su vez en las puertas de Villa Victoria. (…)».

Además, especialmente en su libro: «Imágenes Paceñas- lugares y personas de la ciudad», (1979), Jaime Sáenz desentraña los misterios de la ciudad de La Paz y de sus habitantes, contraponiendo una realidad superficial a la realidad profunda. Así, hay una ciudad que «se exterioriza», dice Sáenz, y otra que «se oculta». A Jaime Sáenz le interesa dirigir su atención a la segunda; recreando en su imaginario la ciudad que va a transitar en su mente a la eternidad y escribe:

«Dado por sentado que la ciudad de La Paz tiene una doble fisonomía, y admitiendo que mientras una se exterioriza la otra se oculta, hemos querido dirigir nuestra atención a esa última.

Pues en efecto, lo que aquí interesa es la interioridad y el contenido, el espíritu que mora en lo profundo y que se manifiesta en cada calle y en cada habitante, y en el que seguramente ha de encontrarse la clave para vislumbrar el enorme enigma que constituye la ciudad que se esconde a nuestros ojos».

A través de su obra, uno logra pasear por una ciudad que en realidad son muchas, donde se puede identificar una ciudad moderna y cosmopolita acorde con nuestro conocimiento sobre la importancia de la urbe paceña en el escenario nacional; y otra que se mueve en un tiempo y en un espacio estrictamente definidos, que solamente tiene sentido para aquellos que la habitan y conocen ciertos recovecos, que representa cierto caos e ininteligibilidad para quien la observa. Y entonces, Jaime Sáenz, escribe así:

«¿Quién puede explicar el extraño encanto de la Garita de Lima?
Nadie. Ni siquiera un paceño.
Únicamente el morador de la Garita de Lima».

También describe personajes paceños que constituyen, en sí mismos, una incongruencia al ser la esencia de una ciudad que, en cierta forma, los invisibiliza al tiempo que los hace desaparecer. Es la dualidad de la ciudad aparente, como la llama Jaime Sáenz, con la ciudad mágica que permanece oculta a la visión más pragmática. De ahí la mirada nostálgica de Sáenz.

Jaime Sáenz era dueño de una visión muy particular y original del mundo, tenía un modo singular de abordar temas y conceptos como el tiempo y el espacio, el destino y la realidad. Se dedicó a leer el contexto urbano paceño en transformación cimentando una obra literaria de relevancia, que sobrepasa el horizonte andino para ser estudiada tanto en Europa como en Norteamérica.

Sáenz, en su tierna juventud, viajó a Alemania en 1938 donde asimiló ventajosamente las técnicas modernas de la creación literaria y artística. Lector curioso desde temprano, Jaime Sáenz, adquirió conciencia de las nuevas tendencias de la literatura mundial, mostrando predilección por el compositor austríaco del romanticismo germánico Antón Bruckner. Fue en Europa donde su personalidad fue cultivada con los filósofos Arthur Schopenhauer, Hegel, Martin Heidegger y los escritores Thomas Mann, William Blake y Franz Kafka.

Sáenz fue escritor, poeta, novelista, dramaturgo, ensayista y dibujante; es reconocido por haber elaborado una de las obras literarias más hermosas de las letras bolivianas. Dejando a su muerte los siguientes títulos:

Poesía: «El escalpelo», (1955); «Aniversario de una visión», (1960); «Visitante profundo», (1964); «Muerte por el tacto», (1967); «Recorrer esta distancia», (1973); «Bruckner. Las tinieblas», (1978); «La noche», (1984).

Cuentos: «Los cuartos», (1985); «Vidas y Muertes», (1986); «La piedra imán», (1989).

Novela: «Felipe Delgado», (1979); «Los papeles de Narciso Lima Acha», (1991).

«Obras inéditas», (1996).

Drama: «Obra dramática», (2005).

Miscelánea: «La bodega de Jaime Sáenz», (2005).

Otros: «Imágenes paceñas», (1979); «Al pasar un cometa» (1982); «Tocnolencias», (2009); «Calaveras».

Al buscar nuevos caminos en la modernidad periférica en que vive, Jaime Sáenz encuentra lo eterno y la novedad de lo transitorio en la ciudad que está invisible a simple vista y rompe, así, con los límites de la tradición clásica o modernista y busca nuevos caminos en la modernidad periférica en que vive.

En «Imágenes Paceñas», Jaime Sáenz confiere vigencia a la noción genuina Borgiana, de que la literatura siempre tuvo como cuna natural la ciudad, que el lenguaje de la ficción, aunque hable de temas rurales, se expresa en el lenguaje citadino. Y es así, en su leguaje netamente citadino que, Jaime Sáenz, describe al «Aparapita»:

«(…) El aparapita está siempre en la ciudad, y, no obstante, al mismo tiempo habita el Altiplano, y se encuentra aquí y se encuentra allá, sin moverse de su sitio. Y eso por obra de una fuerza que, al haberse encarnado en la tierra hecha hombre, hace de éste un ser omnipresente».

La ciudad de La Paz encanta y también desencanta a Jaime Sáenz, marcando la estética de una época. Mostrando algunas imágenes que ya no pertenecen al tiempo sino a la memoria, tiñendo el texto de un color melancólico.

Jaime Sáenz, al leer su contexto urbano en transformación, concluye:

«(…) si el hombre busca un remedio allí donde precisamente no lo hay, es porque la soledad no se remedia sino con la propia soledad.

De ahí que la magia de la ciudad, si se quiere, no es otra cosa que la magia de la soledad».

Quedó registrado que las veladas nocturnas con Jaime Sáenz fueron hasta el momento de su muerte, un espacio marginal y rebelde de rico intercambio intelectual. Los «Talleres Krupp», la habitación donde Sáenz recibía a sus visitas, se convirtió en una institución donde la edición de revistas literarias, el juego de dados, la música de Antón Bruckner o de Simeón Roncal, las charlas sobre Milarepa y las lecturas de poemas fueron la tónica permanente.

Como también se dice que el trato con Sáenz era muy exigente. Las relaciones con sus amigos se mezclaron más de una vez con lo maravilloso y lo tenebroso en experiencias poéticas y mágicas, con resultados no muy felices. Así nació el mito de Sáenz amigo de lo oscuro y de la magia, el iniciado y el alquimista… En realidad, esta imagen fue creada por la desconfianza y el temor ante un ser que se negó a participar en la «normalidad» de una vida que encontraba falsa, en una sociedad cerrada, con dificultad para apreciar «lo nuevo» y dificultad para convivir con lo «distinto».

Jaime Sáenz, en su obra literaria, fue genuino al centrarse en la ciudad, reconociéndose naturalmente hijo de la urbe que corre por sus venas con palabras, susurros, mutismos, patios y sentimientos que se ocultan entre callejuelas y modernidad que acecha.

El escritor paceño no construye una obra calcada en la memoria, sino en el desvarío del presente, en el momento de la vivencia. Provocando una verdadera revolución en la tradición literaria y artística de nuestro país. Tanto así, que ha influenciado en gran parte de los actuales artistas de Bolivia. Incluso su importancia se ha sentido en las nuevas generaciones de videastas y cineastas.

El contexto histórico de la época es el culto a la modernización y el espacio sufre el impacto de ese pensamiento. La tradición cede lugar a lo nuevo. En las calles, mucha gente transita y el choque anónimo de las personas confiere nuevo estilo de vida urbana. Entonces el proceso de verticalización de la ciudad es descrito así por Jaime Sáenz:

«Esta zona residencial de La Paz tiene un extraordinario encanto, con extensas y bien cuidadas avenidas, con árboles ornamentales y con amplios y acogedores parques, en cuya intimidad, en espacios umbríos, se puede respirar aire puro -y este encanto precisamente, si aún conserva su lozanía, es porque el desmedido impulso del progreso todavía no se ha manifestado en su verdadera magnitud, aunque sus estragos se pusieron ya de manifiesto en la forma de altísimos edificios, los cuales vienen a romper la harmonía y a deteriorar la atmósfera y el paisaje de la ciudad toda, y no solo ya de Sopocachi».

Jaime Sáenz verbaliza la ciudad de La Paz siempre evocando los lugares ligados a su vida y los espacios y personajes observados por su mirada juiciosa: los barrios que gustaba recorrer en sus largas caminatas, los bares y tiendas donde frecuentaba y conocía a otros interlocutores que se hacía, eventualmente, amigo. No se centra en la ciudad del presente como fin en sí misma, como el espacio por excelencia del movimiento de la modernidad, de lo fragmentario, de la transitoriedad contingente. Más bien construye, a partir de la cartografía urbana del presente, una cartografía del pasado que se sustenta en el mito de una ciudad eterna. Y escribe:

«Extrañamente, querría decir que una ciudad es indestructible».

Se puede inferir, a través de su obra, que esa relación de Jaime Sáenz con La Paz, su ciudad natal, fue tensa y su prosa está permeada por sentimientos de encantamiento y desilusión. Al tiempo que retrata el encantamiento, también retrata el tedio, el vacío, la fragmentación y la muerte en la ciudad que se moderniza.

Seducido por los barrios populares, infatigable lector, desdichado en amores, tal vez por declararse bisexual; bebedor en oscuros cafetines, y aficionado a una música que los demás no conocían (Antón Bruckner). Es Jaime Sáenz quien logra verbalizar a la ciudad de La Paz con su pluma embriagada de alcohol y de nostalgias.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

Como nada es casual en el planeta azul, Jorge Muzam (1972), escritor chileno, nació en San Fabián de Alico, el “Nido de Parras”, la tierra de Violeta y Nicanor. Licenciado en Historia por la Universidad de Chile. Es novelista y poeta. Ha publicado artículos, relatos, poemas, crónicas y ensayos en diversas revistas y periódicos americanos y europeos.

Jorge Muzam, como si se tratara de un Lermontov del siglo XXI, que ama a su patria, “¡pero con un extraño amor!», con una actitud firme, sabe que todo puede y debe estar mejor, por eso está insatisfecho con el estado actual de las cosas. El tema de la patria en las letras de Jorge Muzam adquiere notas punzantes y amargas, asociadas a la frustración de no poder corregir esa situación, sencillamente, porque los políticos llevan las riendas de un país, no los poetas.

Así como Lermontov idealiza el pasado de su tierra natal y el tema de la patria en sus letras adquirió notas trágicas, también, Jorge Muzam analiza la realidad que le rodea, lo que ve y no le gusta, porque realmente está mal. Jorge Muzam anota:

 “Ni siquiera se trata de ferocidad capitalista o desprolijidad socialista. Es la condición humana la que entreteje los hilos de la injusticia y donde el exceso de ética actúa en contra de los que anhelamos cierta igualdad (…)”[1]

Igualmente, la patria en la obra de Jorge Muzam, está estrechamente vinculada a la imagen de la naturaleza, asimismo, a la imagen de la sociedad que le corresponde vivir, que parece descomponerse y le hace mirar hacia atrás en el tiempo y anota:

“(…) Debes volver a los viejos, a la generación sacrificada, para encontrar cierta tenacidad, honor y respeto. O al menos para mover la pala de un sitio a otro.”[2]

La rápida mirada en el tiempo que hace Muzam, se equipara al mito del eterno retorno, modelo y repetición en su movimiento ritual y cíclico en busca del pasado arquetípico, donde la conducta de los hombres se inspiraba en la harmonía del hombre con la tierra.

De la misma forma, las letras de Jorge Muzam expresan lo que Jorge Tellier llamó de: “rechazo a veces inconsciente a las ciudades, estas megápolis que desalojan el mundo natural y van aislando al hombre del seno de su verdadero mundo”.  Ya que Jorge Muzam, constantemente, reafirma la tradición y la historia de la literatura chilena. Muzam es otro poeta de los lares, que sostiene una búsqueda medioambientalista, se funde con la naturaleza, en un retorno a lo originario del hombre en contacto con el mundo, como una experiencia vital, no como una experiencia puramente literaria.

Si Jorge Tellier, en cierta medida, fue un inspirado que tuvo el valor, propio de la persona  honesta y supo prolongar su brillante mocedad dentro de una atmósfera mítica que se constituyó, a partir del árbol de la memoria encantada, fusionando dicha memoria con un poco de nostalgia, de naturaleza con niebla y pájaros, entre otros elementos que conforman la arcadia que sirve de escenario a su poesía lárica, Jorge Muzam, a su vez, hipnotizado por el embrujo de la alta cordillera del Ñuble, donde se puede admirar el vuelo de los cóndores, conjuga el verbo vivir, mientras escurre por su pluma la belleza y el dolor de existir.

La narrativa de Jorge Muzam contiene una prosa poética exquisita, plagada de bosques de robles, avellanos y cerezos, montañas y cabras en busca del cielo, que derrama una llovizna infinita, raras veces cargada con copos de nieve, con el cerro Malalcura (corral de piedra) visto a diario, desde la ribera sur del río Ñuble… San Fabián de Alico conforma la arcadia donde se desarrollan las letras de Jorge Muzam:

“Por aquí ya es bastante invierno (…). Llueve con murmullo persistente. Ha nevado en las cumbres. Las escampadas tienen rumor de viento norte. El musgo se apodera de las piedras, de los estanques, de los troncos viejos. El río Ñuble vuelve a adquirir la prestancia y el rugido de un río sureño. Despierto temprano, incluso en día domingo, es una conducta propiamente campesina que suele acompañar toda la vida. Café para espabilar mirando por la ventana el Malalcura, comprobar que sigue en su sitio. Que la historia previa no fue una ilusión ni menos un sueño de Monterroso. Mis ingredientes para vivir suelen ser imaginarios. Posibilidades y recuerdos que interactúan en una novela inédita, incongruente, circense por defecto. La soledad fantasmagórica de la cordillera exalta mis quijotismos. Si tan solo Doré pudiera dibujarme. Mi cabeza es un Saturno anillado de esqueletos, cañones sin pólvora, generales rusos dubitativos.”[3]

Jorge Muzam, en su narrativa, presenta una dimensión dramática de la temporalidad. No necesariamente con el miedo a la muerte, condensado en el vértigo temporal que prácticamente elimina el tiempo de existencia entre la cuna y la tumba, pero, como el contador de arvejas, que percibe el efecto atormentador de las horas que pasan:

“Intento atrapar el tiempo con la mano como si fuese un mosquito neurótico. Nunca lo logro. Las palabras me saben a pasado. El té me sabe a pasado. El amor es una tempestad emocional replicada infinitamente hacia el nido de los recuerdos. A veces llego a estar seguro de que somos bombas de relojería. Yo mismo siento mi tic tac encaminado hacia la hora 0. Es cierto que podemos hacer trampas, manipular el segundero, causar estropicios monumentales, pero de todas formas la resta es inaplazable y el saldo final será vacío (…)”[4]

La temporalidad apesadumbrada, forjada con frecuencia y manifestada en la noción del plazo, el tiempo estimado del que se va sustrayendo parte a parte, hasta que ya no queda nada y se consume…  Tal vez, con él se acaba el fracaso de las ilusiones, la felicidad o la propia vida:

“(…) Y eso es muy injusto, porque creamos y queremos como dioses infantiles, sin fecha de caducidad, sin contratos definidos. Mientras tanto podemos deslizarnos a bordo de un monociclo y hacer malabares con antorchas de fuego azul. Unir dos riscos con una cuerda. Aspirar la contradicción del viento. Al fin y al cabo, la vida es sólo una fiesta irresponsable de ocho décadas probables. Si nos caemos no se perderá mucho, y lo esencial quedará resguardado en memorias ajenas. Las dagas de hielo a veces acechan la pluma, la intimidan, y no hay cómo defenderlas. Escribir inutilidades puede convertirse en un drama íntimo, pues no le agregará energía extra a ningún hogar del planeta (…).”[5]

Así, de manera cruda, Jorge Muzam refleja la angustia que le produce la conciencia sagaz del quehacer cáustico del tiempo y el dolor por lo transitorio hace parte de algunas de sus imágenes recurrentes, dimensiones que se suman y amalgaman al tiempo que interviene en la construcción de la estructura de su narrativa que va más allá de la captación del instante, pues logra dilucidar el paso del tiempo en diferentes planos que expresan durabilidad, tiempo lacónico, movimiento: llegar, partir, verter, florecer…

“(…) Podría no hacerse e igual las ocas caminarían graciosamente. Es el septiembre más frío en muchos años. Nubes solitarias rodean las laderas montañosas, algunas dejan caer llovizna y otras agua nieve. Llegan cientos de cachañas empujadas por el viento sur. No solían arribar en esta época. Parecen desorientadas. Sus recuerdos las guían hasta los viejos manzanares, y ahí se detienen a descansar, pero en esta estación no hay manzanas, ni siquiera hojas y deben seguir rumbo al norte sin haber cenado.”[6]

Como un custodio de la memoria y su valor humano, Jorge Muzam desde el bello valle de San Fabián, desgrana el tiempo entre castaños y cerezos.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

[1] MUZAM, Jorge. “Volver a los viejos”; Revista Inmediaciones, La Paz – Bolivia (2018).

[2] MUZAM, Jorge. “Volver a los viejos”; Revista Inmediaciones, La Paz – Bolivia (2018).

[3]MUZAM, Jorge. “Ya es bastante invierno”; Revista Inmediaciones, La Paz – Bolivia (2020).

[4] MUZAM, Jorge. “Antorchas de fuego azul”; Revista Inmediaciones, La Paz – Bolivia (2019).

[5] MUZAM, Jorge. “Antorchas de fuego azul”; Revista Inmediaciones, La Paz – Bolivia (2019).

[6] MUZAM, Jorge. “Antorchas de fuego azul”; Revista Inmediaciones, La Paz – Bolivia (2019).

El conjunto de obras diversas cuya principal característica es la brevedad de su contenido escrito en prosa, de naturaleza narrativa y ficcional que, usando un lenguaje preciso y escueto se sirve de la elipsis para contar una historia a un lector activo, es conocida como cuento brevísimo, microcuento, microrrelato, microficción y minicuento, entre otros.

La escritura de las obras mencionadas cabe en el espacio de una página, pues debe abarcar el máximo de 250 palabras. Haciendo que la microficción sea un momento, un instante de quien narra y en la brevedad establece la precisión de lo que ha decidido contar.

Para David Lagmanovich, los cambios culturales de la modernidad propician, junto a otras innovaciones en otros campos, el surgimiento de las narrativas mínimas, que cumplen con todos los roles de la literatura incluyendo la literatura de denuncia social; que es de suma importancia para la humanidad, ya que ofrece un análisis crítico de su época y la convierte en un disparador de la reflexión acerca de la sociedad plagada de desigualdades en que vivimos.

La literatura como instrumento de denuncia social, logra revelar los problemas endémicos de una sociedad que se disfraza de correcta, moral y ecuánime.

Desde la perspectiva de la literatura latinoamericana de denuncia social, el papel del intelectual no solo implica un interés por evidenciar una serie de problemas que aquejan la sociedad, como también, su creatividad al poner en relieve tan escabrosas situaciones.

La temática merece un estudio exhaustivo ya que son muchos los escritores microficcionistas que utilizan sus letras como instrumento de denuncia social, empero citaré dos ejemplos:

La literatura urbana en Latinoamérica pasa, necesariamente, por los espacios de pobreza, en que sus habitantes están condenados a vivir en un permanente contexto de necesidades insatisfechas, exclusión y precariedad… En una lucha constante por la sobrevivencia que ineluctablemente consume todas las posibilidades de ser feliz en el presente y compromete de manera poco optimista el futuro.

Estas situaciones sociales heterogéneas, en países conformados por contrastes brutales, abren espacios para la delincuencia que es vista, por los marginados, como la posibilidad de ascenso social rápido o la fórmula mágica para dejar la pobreza y la carencia en el pasado.

Angélica Villalba Cárdenas, escritora colombiana, sensibilizada por el mundo caótico cementado en las desigualdades, registra la soledad y la violencia del ámbito urbano desde la mirada humana que la caracteriza:

“Break

El man era todo alzado y me lo bajé. La embarrada es que el muñeco quedó en plena calle y la sapa de la Miriam gritó re duro. Los tombos del CAI se la pillaron, pero no me voy a dejar agarrar porque ni loco vuelvo a la cárcel.

Corro y corro, sin mirar pa’ atrás, aunque aún escucho los alaridos de la cucha Miriam y las sirenas de la patrulla.

De pronto, tras dejar botados a los tombos, lo único que veo, rodeada de gente, es una tarima. En ella están mis ex parceros del parche de rap. Mi salvación.

─ ¿Sigue en la mala, güevón? ─me dice Álex.

─No, para nada, parce. ¿Me deja trepar?

─ Hágale.

Saludo a los demás bailarines y comienzo la función. Siento como mi cuerpo se mueve al ritmo de la música mientras me pierdo entre las rimas.

Un tiro al aire, los bailarines saltan de la tarima y yo solo sigo bailando, como un güevón.”

La desigualdad de géneroes tan profunda en nuestra sociedad, que llega al punto de que ciertos individuos del sexo masculino, cegados por su sexismo, no logran asimilar la gravedad de los hechos violentos cuando esos son propinados en contra de una mujer, más aun si se trata de “su mujer”, porque hasta en la forma de hablar, el patriarcado recalcitrante se hace presente y la mujer es vista como un objeto o una pertenencia más del hombre.

En pleno siglo XXI, cuando los avances tecnológicos y científicos aumentan cada día, las nuevas tecnologías son de amplio espectro y transcendentales por su potencial de transformación, aún existen hombres en un nivel de barbarie y primitivismo que no logran relacionarse con las mujeres e infantes en condiciones de respecto e igualdad.

En el planeta entero los derechos humanos de las mujeres y niñas son vulnerados constantemente, porque la inequidad de género prevalece en las relaciones humanas, sin importar el sufrimiento que es impuesto al otro. Todos los días, en todas las horas del día, las mujeres y niñas son víctimas de violencia machista en algún lugar del mundo, solo por el hecho de ser mujeres.

Camilo Montesinos Guerra, escritor chileno, registra con su pluma dolorosa y realista:

“Biografía inconclusa

Nació el 4 de octubre del 2007, cursa cuarto básico y le gusta el deporte.

Murió un viernes de abril del 2015. El viernes siguiente murió otra vez, y al siguiente viernes lo mismo.

Y así muere cada viernes, cuando el padrastro abre la puerta de la pequeña habitación y apaga la luz.”

Es esa escalofriante realidad, donde la mujer se encuentra supeditada al deseo y control masculino y es sometida por la violencia que el escritor retrata, a través del microcuento:

“Veinte golpes de amor y una mujer desesperada

«Puedo escribirte las amenazas más tristes esta noche, escribir, por ejemplo, mi puño está cerrado y tiritan azules tus ojos a lo lejos», expresó alardeando de sus talentos poéticos.”

Así, el microrrelato, tan escueto y como cualquier otro género literario, sirve de espacio de denuncia social y trata, a través de sus escritores, de despertar la sociedad de las taras a las que está sometida. Un triunfo más de la minificción en el mundo plagado de mediocridad y de dolor.

– Márcia Batista Ramos

SOBRE LA AUTORA:

Márcia Batista Ramos, nació en Brasil. Licenciada en Filosofía. Es gestora cultural, escritora, poeta y crítica literaria. Es columnista en la Revista Inmediaciones, La Paz, Bolivia y en periodismo binacional Exilio, México. Publicó: Mi Ángel y Yo; La Muñeca Dolly; Consideraciones sobre la vida y los cuernos; Petty Barrón De Flores: La Mujer Chuquisaqueña Progresista Del Siglo XX; Tengo Prisa Por Vivir; Escala de Grises – Primer Movimiento; Rostros del Maltrato en Nuestra Sociedad; Dueto; Escritoras Cruceñas, Caballero, Reck & Batista; Escritoras Contemporáneas Bolivianas, Caballero, Decker & Batista; Caspa de Ángel – antología de cuentos, crónicas y testimonios del narcotráfico, Batista-Ramos & Carvalho Oliva. Es colaboradora en diversas revistas internacionales.

Cuando me invitaron a participar en esta mesa, me asignaron como tema referirme al “libro en el contexto actual”, una propuesta que supera mi responsabilidad. Entonces, por respeto a mi ignorancia, voy a decir algo acerca de lo que creo tener opinión. La poesía, la misma que de un tiempo a esta parte sigue esperando (y merece) una atención más plena a los interrogantes que tienen lugar en la cultura.

La poesía puede ser uno de los pájaros de nuestra memoria pasada y presente dada la velocidad del viento en el tiempo que nos toca. Pero por todo ello, advierto que apenas tenemos borradores donde seguimos apuntando y corrigiendo. Porque el poema se hace con palabras que no ausentan el mundo que hubiera pensado.

Pero “hubiera” es una suerte de contemplación benemérita del deseo. Ante su reiteración, recuerdo, en la revista Plural, de México, alguna vez llegamos a la conclusión de que “el hubiera es el tiempo pluscuanpendejo del verbo ni modo”.

Visto así, el afuera parece haber dejado de pertenecer al adentro en un segmento considerable de la producción actual, observando cómo responde el autor a las nuevas subjetividades que compartimos como lectores en esta especie de resumen general de los olvidos. Y también observamos cómo la audiencia crítica (que alguna vez tuvo referentes) se ha empobrecido.

La expansión del librismo culturoso hecho sólo de palabras es una más de las expresiones que ocupa la desolación del arte contemporáneo.

Esto habla del mercado y del lector, de sus escuchas.

Edward Albee hace unos años estuvo en México. Entonces, nos dijo que “el público está entrenado para la mediocridad (para lo superficial y lo estúpido)”, pero también dijo algo más inquietante: “que en su país existe una política dirigida expresamente a destruir la educación estética. La democracia es muy frágil y los políticos están asustados; como consecuencia, los intelectuales y artistas creativos están siendo sometidos a una censura que será difícil de parar. De momento -agregó-, el teatro, el arte de calidad, han tenido que refugiarse en pequeños foros porque sus espectadores, sus lectores, están siendo capacitados para exigir cada vez menos”.

Por esta y otras razones (de no menor peso) me siento habitante de un mapa determinado por el compromiso al que se refiere el dramaturgo.

Más recientemente, y audaz, el español Ballester Moreno me dejó a la intemperie: “el arte se separó tanto de la vida que ya no representa nada”, dijo.

La fidelidad conservada por Canetti en La conciencia de las palabras se pierde como se pierden los oficios.
El árbol de la vida no puede leerse construyendo artificios. La poesía tiene un follaje que no se alimenta sólo de palabras, sino de todo aquello que habita en ella y con ella, entonces cobra peso y significado.

Quinientos años después de que nos trajeran a Dios, con el mismo incentivo de progreso, los patrones culturales dominantes la verbalizan y descompletan hasta colmarla de muletillas contractuales. Son los nuevos guionistas del espíritu. Que se pueden leer como ráfagas inconclusas que se suceden cuadro a cuadro en una pesadilla.

Muchos aprendimos que la sensibilidad poética resuelta por medios sencillos convierte en íntima la comunicación compleja. El “asunto” exige rigor y, tal parece, cada vez tiene menos adeptos. Y ese rigor, también obliga a defenderlo no solo con consignas. Vieja y difícil tarea que se teje sobre el cuerpo de la imagen simbólica.

El territorio de la poesía es un lugar al que van pocos, y llegan menos, como los pasajeros de una diáspora.

En simultáneo, existe una defensa ingenua, superficial, que trae consigo la educación meramente instrumental que se ha venido construyendo casi sin oposición o con indiferencia del proceso donde tiene lugar y desarrollo. Y la multiplicación de talleres donde la subjetividad no excede la exposición rudimentaria.

Hace veinte, treinta años (un pestañeo en la Historia, una vida en  nosotros) muchos que escribían, pintaban, cantaban… decían tener un hobby. Hoy publican, exponen, realizan conciertos, sin el humilde reconocimiento de entonces como pasatiempo reservado a los ratos de ocio.

Con el desarrollo exponencial de los medios y las redes, un segmento considerable de promotores, asistentes, participantes, califica sus eventos como “noche mágica”: una franquicia de Disney que saca a pasear versos que siempre llegan tarde donde nunca pasa nada.

La devaluación de la moneda, escuchamos, devalúa la vida. Por lo que no sería aventurado suponer que los comportamientos del lenguaje quedan fuera de esa devaluación.

La tecnología impuso la aceleración de la imagen y redujo los caracteres hasta pulsiones primarias.

La edición de libros no escapa a este fenómeno, se ha convertido en uno más de los artefactos de certificación que conceden pertenencia. Legitimación ilusoria que a mucha gente le permite confundir un poeta con quien escribe poemas, por ejemplo.

Sin dejar de reparar en la responsabilidad que le cabe a buena parte de la docencia en esta domesticación anunciada.

En medio de una diversidad engañosa, en horario Triple A (más cerca de las creencias que de la reflexión), la habituación a los modos de comunicación dominantes ha sumido a la escritura (como a otras expresiones del arte) en un espacio del trilingüismo cultural tal vez irremediable. La opción (sin decirlo expresamente) elude aquello de que las preguntas valen tanto como las respuestas que puede ahorrar.

Me temo que el atajo (menor exigencia crítica, responsabilidad, compromiso…) nos trajo hasta aquí. Y nos informa acerca de la fortaleza que ejercen las voluntades ajenas sobre la vida y el destino individual.
Celebrando las paradojas que nos asaltan con frecuencia (en esta encrucijada) podríamos inferir que el presente se ostenta tan ignorante como pretencioso. No tomar nota de lo que ofrece su escenario es, “sería”, como exigir que el fuego no se entere del viento.

– José Antonio Cedrón

SOBRE EL AUTOR:

José Antonio Cedrón nació en Buenos Aires, donde comenzó a publicar en la década de los años 70 e integró la mesa directiva de la Agrupación Gremial de Escritores Argentinos. Vivió varias décadas en diversos países de Latinoamérica, la primera de ellas en calidad de exiliado. En Venezuela trabajó como docente (educación básica) y en la revista Los Libros. En México fue coordinador de Bibliotecas de Investigación en el Archivo Histórico de Puebla. Luego trabajó cinco años en la Universidad Autónoma de Puebla.

Regresó a su país y, posteriormente, en los años 90, en la Ciudad de México, fue coordinador de Ediciones del diario unomásunoy se desempeñó como editor de la revista Este País. Integró el Consejo Editor de la revista Plural, dirigida por Jaime Labastida. Publicó los poemarios La tierra sin segundos, De este lado y del otro, Actas, Vidario, Circuito interior, Antología personal –pequeña cosa.  Y el reportaje novelado El Negocio de la Fe.

Parte de su obra fue traducida al francés, inglés, portugués, italiano y catalán.

Obtuvo el II Premio Concurso Cincuentenario del Periódico Alberdi, en Buenos Aires; la Primera Mención Honorífica Premio Latinoamericano de Poesía Rubén Darío, en Nicaragua; Mención Premio Carlos Pellicer para obra publicada en México, y el Premio Nacional de Poesía de México, Sinaloa.

Trabajos suyos fueron musicalizados en Argentina, México, España, Nicaragua y Costa Rica. Realizó espectáculos de café-concert con poemas y canciones y grabó discos con la participación de los músicos Carlos Díaz Caíto, Rolo Taubas, Nobilis Factum, Helio Huesca, Ofilio Picón, Nimbus Jazz, Raquel Oyola, Marianne Friederichs, Delia Caffieri, Horacio De Tomaso, Adrián Goizueta y el Grupo Experimental, entre otros.

Es coautor de libros de texto de Español para la Secretaría de Educación Pública —secundaria a distancia para adultos.

Trabajó en el área de Educación e Investigación Artísticas del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) durante cuatro años. Como docente, impartió en el Diplomado de Creación Literaria de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), y tuvo a su cargo la cátedra Lengua y Comunicación para maestros que cursan Docencia en Artes en el Centro Morelense de las Artes (CMA) de la Ciudad de Cuernavaca, Morelos. Actualmente reside en Buenos Aires.

A mediados de la década pasada, Tom Braden, quien fuera dirigente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) durante la denominada guerra fría de los años 50, declaró en un explosivo documental transmitido por el canal 4 de la televisión independiente británica, que la División de Organizaciones Internacionales que encabezaba, coordinó y fomentó clandestinamente las más diestras ofensivas a favor del arte abstracto.

Se rio de su desfachatez con el mismo júbilo con que los poderosos de entonces venden hoy sus memorias (como si fueran solo suyas) en mesas redondas, foros, programas televisivos, defendiendo el contexto (como si fuera también de su propiedad), a sabiendas que la audiencia ignora porque el pasado que vuelve no se baila, y aburre. Pero no se resignan.

Convencido de su tarea a favor de la libertad, Braden aceptó que la CIA fue el mecenas excepcional en la batalla por el éxito internacional de lo abstracto contra la influencia del comunismo, que se presentaba como “una perspectiva horrible para el mundo, dominado por las ideas estalinistas sobre el arte”.

Aun así, al interior de los cubículos, los expertos no se ponían de acuerdo.

Alcanza con saber que en 1947, el Departamento de Estado había tratado de organizar una gran exposición de arte norteamericano en el exterior, y se había visto obligado a un humillante retroceso después de los ataques de un pequeño grupo de parlamentarios, para los cuales el abstraccionismo era “una forma de expresión degenerada, subversiva, paracomunista”.

Sin embargo, lo que fue malo ayer, puede ser bueno hoy.

Para que el mismo producto cambiara de cualidades, las máquinas recicladoras empezaron por las ideas, reduciendo los costos de inversión.

Tres años después, en 1950, durante la influencia generada por el senador Mc Carthyse desarrolló en plenitud la histeria anticomunista; los dirigentes más creativos de la CIA (muchos de ellos liberales graduados en Harvard y Yale) remaron clamorosamente contra la corriente con el objetivo de imponer en la escena internacional el arte abstracto “made in America”, en cuya novedad, frescura y creatividad veían un potente símbolo del llamado “mundo libre”.

Con la guerra fría a plenitud, la agencia financió en complicidad con banqueros, directores de museos, empresarios de élite y críticos, exposiciones internacionales de los más diversos y controvertidos exponentes del expresionismo abstracto estadounidense, como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, o Franz Kline, por ejemplo.

“Queríamos unir a los artistas —recuerda Braden—, también a los músicos, a los literatos y a todo su público en la batalla para mostrar que, al contrario de la Unión Soviética, Occidente y Estados Unidos en particular, eran devotos de la libertad de expresión y de los sucesos del intelecto sin barreras, en cuanto a lo que se puede decir, escribir, pintar, hacer…”

En la frontera enemiga decían lo mismo, pero en edición rústica.

Para que esta unificación fuera posible, la CIA creó varias fundaciones-cortina en Nueva York en complicidad con críticos, directores de museos y millonarios que pagaron exposiciones en Europa y América Latina.

Con el afán de darle existencia y ganar reconocimiento en el mercado, tal apoyo secreto debía tener, como lo tuvo, la mayor penetración y todos los debates posibles que le fueran favorables ante el público y los mismos creadores.

Para administrar la intrincada red de fundaciones y de iniciativas, el servicio secreto también creó en 1950 el instrumento de difusión más grande del arte abstracto, el Congress for Cultural Freedom (Congreso para la Libertad de la Cultura), que abrió 35 sedes en el exterior y durante su apogeo empleó más de 300 personas.

El Museum of Modern Art, y el Whitney Museum de Nueva York, el Chase Manhattan Bank, de Nelson Rockefeller, diarios, revistas y medios audiovisuales, tomaron parte activa en esta gigantesca promoción de los artistas abstractos.

La mayoría de los críticos, historiadores y sociólogos de la cultura entrevistados en el documental de canal 4 condenaron las pesadas interferencias de la CIA que, entre otras cosas, aparentemente ayudaron a Nueva York en la batalla contra París por la “supremacía cultural” mundial.

Pero Tom Braden no se arrepiente de nada:

“Estoy contento —asegura frente a la cámara— de que la CIA haya sido inmoral, si es que se puede llamar inmoral a la financiación secreta de lo que es esencial para la libertad del mundo”.

Según el documental, la CIA se sirvió del Plan Marshall para enviar dólares a organizaciones “culturalmente amigas” en Europa, y para la promoción del arte abstracto se apoyó también en una serie de revistas que financiaba en diversos países: desde la británica Encounter a la francesa Preuves, pasando por publicaciones de India y Australia.

Lo que no dijo el entusiasta Braden (tal vez debido a la fortaleza cultural de su formación), aunque lo sepa, es que para esos años en América Latina se tenía como agente de la CIA a un oscuro personaje de apellido Verias (o Veidas), de quien nunca se pudo comprobar si era uruguayo o brasileño, pero cuya estación cubría los países donde mayor influencia, asimilación y adhesiones podrían obtenerse.

Trabajó en las capitales de Uruguay y Argentina, como en ciudades de Brasil, donde debía “formar” críticos, galeristas y coleccionistas mediante el soborno y la falsa compraventa de obras para darle existencia al arte abstracto.

Pero la tarea principal era “comprar” medios de comunicación que, como en el negocio del disco, reciben “regalías”, no sólo por la difusión y defensa de esa línea política para las artes plásticas, sino por enfrentarla (sin decirlo expresamente) con el arte considerado “comprometido” o “socialista”.

Así, se crearon lujosas publicaciones, en las cuales se daban a conocer también los nuevos “críticos” de la “nueva” cultura, todos ellos pagados por el pragmatismo financiero elaborado por la CIA mediante fideicomisos.

Dos prestigiados galeristas, con salones en el centro porteño de Buenos Aires, también fueron señalados en esa década, sin que se haya podido probar hasta la fecha su participación en el mercado doméstico. A menos que aparezca un Tom Braden sudamericano tan confiable como el original.

En un campo minado por veleidades egotistas y deserciones multicolor, la práctica fijó precedente, y tiene vigencia.

Lo cierto es que la línea hizo escuela en el sur.

Sabemos que una vez establecido el gusto oficial (el sentido estético) el comportamiento de los artistas en su mayoría trabaja por sí solo.

Esa conformidad compulsiva hace el resto y, por extensión, abre un poderoso segmento de impunidad y delación por el que puedan ser sacados del mercado, aquellos motejados como “militantes” por su intransigencia.

Sin embargo, debido a la transformación de estos mercados y su globalización, el segmento tiende a borrar sus límites por la cooptación directa o indirecta de variados operadores, haciendo menos grosero, más sutil y engañoso el juego de la diversidad en el “mundo libre” del que Braden se ufana como pionero.

Con todo, sus confesiones del pasado sugieren una hermenéutica que debemos leer como memorias del presente.

– José Antonio Cedrón

SOBRE EL AUTOR:

José Antonio Cedrón nació en Buenos Aires, donde comenzó a publicar en la década de los años 70 e integró la mesa directiva de la Agrupación Gremial de Escritores Argentinos. Vivió varias décadas en diversos países de Latinoamérica, la primera de ellas en calidad de exiliado. En Venezuela trabajó como docente (educación básica) y en la revista Los Libros. En México fue coordinador de Bibliotecas de Investigación en el Archivo Histórico de Puebla. Luego trabajó cinco años en la Universidad Autónoma de Puebla.

Regresó a su país y, posteriormente, en los años 90, en la Ciudad de México, fue coordinador de Ediciones del diario unomásunoy se desempeñó como editor de la revista Este País. Integró el Consejo Editor de la revista Plural, dirigida por Jaime Labastida. Publicó los poemarios La tierra sin segundos, De este lado y del otro, Actas, Vidario, Circuito interior, Antología personal –pequeña cosa.  Y el reportaje novelado El Negocio de la Fe.

Parte de su obra fue traducida al francés, inglés, portugués, italiano y catalán.

Obtuvo el II Premio Concurso Cincuentenario del Periódico Alberdi, en Buenos Aires; la Primera Mención Honorífica Premio Latinoamericano de Poesía Rubén Darío, en Nicaragua; Mención Premio Carlos Pellicer para obra publicada en México, y el Premio Nacional de Poesía de México, Sinaloa.

Trabajos suyos fueron musicalizados en Argentina, México, España, Nicaragua y Costa Rica. Realizó espectáculos de café-concert con poemas y canciones y grabó discos con la participación de los músicos Carlos Díaz Caíto, Rolo Taubas, Nobilis Factum, Helio Huesca, Ofilio Picón, Nimbus Jazz, Raquel Oyola, Marianne Friederichs, Delia Caffieri, Horacio De Tomaso, Adrián Goizueta y el Grupo Experimental, entre otros.

Es coautor de libros de texto de Español para la Secretaría de Educación Pública —secundaria a distancia para adultos.

Trabajó en el área de Educación e Investigación Artísticas del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) durante cuatro años. Como docente, impartió en el Diplomado de Creación Literaria de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), y tuvo a su cargo la cátedra Lengua y Comunicación para maestros que cursan Docencia en Artes en el Centro Morelense de las Artes (CMA) de la Ciudad de Cuernavaca, Morelos. Actualmente reside en Buenos Aires.